EXPO // KAWS - THERAPY // MAX HETZLER GALLERY // BERLIN

© Kaws - Therapy - Max Hetzler Gallery

Kaws - Therapy - 13 juin au 09 aout 2025

Galerie Max Hetzler
Berlin: Bleibtreustraße 15/16

www.maxhetzler.com

La Galerie Max Hetzler a le plaisir de présenter THERAPY, une exposition personnelle de nouvelles œuvres de KAWS aux adresses Bleibtreustraße 45 et 15/16 à Berlin. Il s’agit de la première exposition de l’artiste avec la galerie.

S’inspirant des vastes domaines de la culture populaire et de l’histoire de l’art, le lexique artistique de KAWS revitalise la figuration par de grands gestes audacieux et des subtilités ludiques. Son œuvre prolifique navigue entre le monde de l’art contemporain et celui de la culture de consommation, englobant peintures, fresques murales et sculptures, ainsi que design graphique et design de produits. Dans la présente exposition, les personnages hybrides emblématiques de dessins animés de KAWS peuplent une série de peintures ainsi qu’une sculpture monumentale. À la fois humoristiques et empreints d’empathie, ces personnages ouvrent des portes vers des émotions complexes et incarnent parfaitement l’exploration de l’humanité entreprise par KAWS.

Installée au niveau de la rue dans l’espace d’exposition de Bleibtreustraße 15/16, la sculpture en acier inoxydable SPACE (2023) présente une variation du COMPANION de KAWS, le personnage en trois dimensions initialement créé en 1999 sous forme de figurine en vinyle. À la fois ludique et mélancolique, COMPANION est ici représenté sous les traits d’un gigantesque explorateur spatial, vêtu d’une combinaison d’astronaute et équipé d’un réservoir d’oxygène. Mais au lieu de brandir un drapeau, il se couvre les yeux avec ses mains gantées, suggérant un état de résignation, voire de déni. Les gants de COMPANION arborent les célèbres croix "XX" de l’artiste, habituellement utilisées à la place des yeux de ses personnages. L’échelle impressionnante de la sculpture amplifie son commentaire subtil sur la condition humaine – reflétant à la fois notre fascination pour le progrès et l’exploration spatiale, et les implications plus profondes d’un éventuel abandon de la Terre.

Dans sa nouvelle série de peintures, KAWS poursuit son exploration de longue date de la sérialité. Sur des fonds mouchetés de peinture, les œuvres représentent des variations du personnage CHUM, développé à la fin des années 1990. Bien que les contours des figures soient méticuleusement définis – avec une précision évoquant la netteté caractéristique de l’artiste dans l’usage de la couleur et de la ligne – une texture spontanée apparaît à travers les éclaboussures de peinture qui parsèment les toiles. Évoquant la vivacité de la peinture en spray, KAWS confère à ses personnages une qualité scintillante et presque transcendante, tandis que les ombres peintes leur donnent un volume quasi sculptural.

Plusieurs compositions montrent CHUM tenant une toile, créant une mise en abyme de l’acte artistique lui-même. Dans d’autres, CHUM est confronté à des situations plus existentielles, se noyant dans l’eau ou s’agrippant au bord d’une falaise. Ailleurs, il lève les paumes vers le spectateur – un geste à la fois protecteur et empreint d’excuse. Cette sérialité warholienne contraste avec la pluralité des émotions exprimées par CHUM. Face aux forces incontrôlables qui l’entourent, il semble incarner une certaine vulnérabilité.

Un triptyque monumental – la plus grande peinture de l’exposition – représente un groupe de onze personnages CHUM, chacun tenant une toile, tels des élèves dans un cours d’art. Leurs œuvres, montrant une série répétée de vagues ondulantes, s’unissent pour former un paysage marin continu. Puisant dans l’expérience personnelle de l’artiste au Japon, le triptyque évoque de nombreuses références à l’histoire de l’art, allant de La Grande Vague de Kanagawa (1831) de Hokusai – l’une des images les plus reproduites au monde – aux représentations romantiques de l’eau comme source de tumulte émotionnel et de sublime. Ici, comme dans l’imagerie japonaise historique, l’eau peut symboliser le cycle de la vie.

Dans son style à la fois unique et universel, les personnages changeants de KAWS expriment des émotions complexes telles que la peur, la solitude, la vulnérabilité et l’amour. Simultanément sculpturaux et aplatis, dépersonnalisés et profondément humains, ses sujets brouillent les distinctions conventionnelles, invitant les spectateurs à s’identifier, à éprouver de l’empathie, et à trouver un terrain d’entente.

KAWS (né en 1974 à Jersey City, New Jersey) vit et travaille à Brooklyn, New York. Son œuvre a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dans des institutions renommées, notamment : Crystal Bridges Museum, Arkansas (2025) ; The Andy Warhol Museum, Pittsburgh (2024–2025) ; Parrish Art Museum, Watermill (2024) ; Art Gallery of Ontario, Toronto (2023–2024) ; Serpentine Gallery, Londres (2022) ; Mori Arts Center Gallery, Tokyo ; The Brooklyn Museum, New York (tous deux en 2021) ; The National Gallery of Victoria, Melbourne ; Fire Station, Qatar Museums, Doha (tous deux en 2019–2020) ; Yuz Museum, Shanghai (2017) ; Modern Art Museum of Fort Worth (2016–2017) ; Yorkshire Sculpture Park, West Bretton (2016) ; CAC Málaga (2014) ; Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphie (2013–2014) ; High Art Museum, Atlanta (2012) ; et Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield (2010–2011), entre autres.

Les œuvres de KAWS font partie des collections de grandes institutions internationales, notamment : Brooklyn Museum, New York ; CAC Málaga ; City Museum, St. Louis ; Hall Art Foundation, Reading ; High Museum of Art, Atlanta ; K11 Musea, Hong Kong ; Modern Art Museum of Fort Worth ; Museum of Contemporary Art Los Angeles ; Museum of Contemporary Art San Diego ; The National Gallery of Victoria, Melbourne ; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park ; Nevada Museum of Art, Reno ; Pizzuti Collection, Columbus ; et Zabludowicz Collection, Londres, entre autres.